风格 梵克雅宝 百年雅艺风华

风格 梵克雅宝 百年雅艺风华本站　　梵克雅宝典藏臻品回顾展，以世家传承百年的优雅艺术为主题，在北京今日美术馆如约开幕

　　梵克雅宝典藏臻品回顾展，以世家传承百年的优雅艺术为主题，在北京今日美术馆如约开幕。一场百年高级珠宝艺术的探秘之旅优雅启程，由此，人们得以亲身追溯

　　跨越一个世纪，梵克雅宝的发展见证了艺术、文化、、经济等多个维度的历史演变，展览以每十年为叙事节点，映射和重现了时代的重大变革：20世纪初新旧思想和艺术形式的交汇，1920年的新艺术运动，1930年的创新风潮，1940的二战，1950的万物复兴回归经典，1960年代的快乐主义，1970年的战后光辉30年;1980、1990年代重返简约有序，2002年的后自然叙事...... 自1906年至今，梵克雅宝这个源于爱情的珠宝品牌，一以贯之传承着艺术与沉思。

　　王室御用、私人定制、奢华材质，似乎一直以来都是梵克雅宝的标签。但与此同时，它还见证了世界多国、多领域的人与事的历史演进，从法国到美国、从伊朗到埃及，从文化到艺术，从战争到和平......

　　除了精彩展品，本次典藏臻品回顾展的布景也如梦似幻。Jouin-Manku事务所担纲设计，为展览构想出一个如梦如幻的展示布景，引领观展者一探Van Cleef & Arpels梵克雅宝的迷人世界。

　　此次与巴黎当代艺术博物馆执行馆长David Caméo先生的会面，约在了今日美术馆3层的会客空间。身形瘦削的他，内心蕴含着巨大热情。然而与想象不同，这股热情并非全部面向珍贵的材质和耀眼的设计，而是面向工艺传承和对装饰艺术的传播。这种热情多了几许坚毅，几许踏实。

　　Numéro：这次为何会选择与世家开展深度的艺术合作?是什么契机让巴黎装饰艺术博物馆与梵克雅宝结缘?

　　David Caméo：巴黎装饰艺术博物馆成立于19世纪，与那些在国王指令下由政府创办的公立博物馆不同，它是一家博物馆，是在企业家、工匠、艺术家等多方力量的联合推动下成立和运营的。在创立之初，巴黎装饰艺术博物馆就获得过梵克雅宝的赞助，因此两者之间的合作水到渠成。2012年就已经举办过梵克雅宝典藏珍品回顾展，并且取得了巨大成功。

　　最大的亮点是传承与创新。和中国的悠久历史相比，梵克雅宝也许还是一个非常年轻的品牌，只有一百年的历史，但本次展览非常清晰地展示了这一百年间传承与创新的脉络，包括技术发展与时尚演变的过程，以及梵克雅宝在高级珠宝领域的突破创新。

　　我父亲就是一位镶嵌工匠，我们都由衷赞叹梵克雅宝非凡的技艺和创新精神，比如它的隐秘式镶嵌技术，和独有的拉链式设计—— 一件首饰原本是项链，拉链拉合之后，就变身为手链。这都是技术上的巨大创新，世界上独一无二。我还非常喜欢那些从大自然获取的设计灵感，比如花卉和植物系列。

　　手工技艺需要传承，这是不能回避的话题。你今天看到的作品都是精工细作，通过双手一点一点做出来，制作工具甚至都没有改变。但设计和创意在发展和演变，能把工艺之美无限放大。

　　1860年巴黎装饰艺术博物馆创立之初，董事会提出一个口号：实用之美。所以我们的第一使命是对民众的美学教育。比如我们会在展览中展示桌子，选两三种不同材质，金属或珍珠贝母，告诉大家，实用的也可以是美的。我们一直在努力提升大众的审美水平。

　　首先，我反而觉得相对于绘画艺术，或者现在时髦的名词“当代艺术”，装饰艺术的传播是有自身优势的。因为它直接链接到看得见摸得着的具体物品，像桌子、椅子、玻璃花瓶、陶瓷制品。它是用来做什么的、是怎么制作的，谁用过、有什么历史前因等等，可以说得很明白。不像有些艺术形式，很难言传。比如，你没法用三言两语讲明白《蒙娜丽莎的微笑》。

　　然后我想分享一组数据：去年巴黎装饰艺术博物馆成功举办了Christian Dior的特展，展览吸引了70万观众，60%是国外观众，其中有很多年轻的中国朋友。针对更加国际化、年轻化的观展人群，我们越来越多地使用数字化语言和媒介来作为沟通桥梁。比如布展时，策展人会使用大众化的媒介和语言传递信息，并综合使用传统静态展示和互动式、数字化的展览方式。

　　隔壁的卢浮宫名气很大，观众非常多(笑)。但问题是，大多数旅行者的时间都非常有限，可能看完“艺术三大件”，坐下喝杯茶就走了。考虑到这一点，巴黎装饰艺术博物馆采取了更有智慧的方式，利用互联网，充分发挥数字化、信息化的优势。任何人参观巴黎装饰艺术博物馆之前，都可以提前做功课。比如，你对珠宝感兴趣，就可以提前登陆我们的官网，然后找到珠宝相关的资讯，例如会发现我们有一个常设展览，展出全世界1200件珠宝藏品，而这个展览会在互联网上呈现尽可能详尽的信息。等读过之后再去现场看展览，能在更短时间内取得更大收获。

　　当然，我们有一个年轻收藏家俱乐部，他们有自己特有的表达方式、思维方式和收藏喜好，我们会有针对性地开展运营和活动。但我想补充一点，就是即便我们圈定了人群、做了很多工作，但事实上很多展览和艺术作品也只能面对拥有一定文化、修养、素质的人群，很难迅速地吸引其他人。所以又回到教育的话题，我们努力吸引年轻人的另外一个做法，是组织教育活动，例如举办工坊，展示作品制作过程。有意思的是，有一些新工匠也是年轻人，面对年轻观众的时候，信息的传递就变得更加有说服力，容易被接受。

　　说到这我想分享中国的一个案例，音乐艺术家朱哲琴2009年与联合国开发计划署共同发起了“世界看见——中国民族文化保护与发展亲善行动“，其中一项工作内容就是手工艺的保护与当代传承，包括邀请国际设计师来中国采风，之后做出当代设计。法国有哪些权威机构在重点关注手工艺传承和发展?

　　这非常好，和法国的一个官方机构“工艺艺术大师”异曲同工。这个项目受到法国文化、工业部门的资助，宗旨也是文化和手工艺的传承，特别是针对那些即将濒临失传的工艺，比如最近正在开展的“羽饰”项目，这种工艺濒临失传。还有尼辛德·卡蒙多博物馆(Musée Nissim de Camondo)开设了五年课程研究传统工艺，目前有400个学生，其中有十几位来自中国。此外就是法国传统工艺学院，专门做各种手工艺培训传承。

　　去了景德镇的陶瓷博物馆，因为我之前一直在陶瓷领域工作，觉得更熟悉，得心应手。也去过一些公立美术馆，发现大家做法基本一致：实物与实践展示，希望打动观众，保护即将消亡的手工艺。其实全世界都一样，古老艺术品是很多当代设计最珍贵的创意源泉。这些工艺的传承是对世界各国文明保护的极大挑战，也是博物馆馆长最重要的责任与义务。

　　最重要的趋势是在技艺传承基础之上顺应时代之需的当代设计。比如水晶、珍珠贝母、珊瑚的加工，都是当时非凡的技术。但在同样的精湛技术之上呈现全新的设计，会使得传承并不陈旧、过时，反而会通过现代演绎焕发新生。

　　市场的趋势是针对小众人群的独特产品。我知道在中国这个人口庞大的国家，这听上去很难，比如有些东西需求量很大，又想出口到欧美，最后的结果就是批量制作低成本的产品。但事实上，我们需要找到真正掌握古老技术的手工艺人，把技艺传承给年轻人，再通过年轻设计师的现代演绎，打磨出拥有独特的市场和高附加值的产品，而不是工业化的机械生产。这听上去简单，但对于从业者而言，其实任重道远。